Eu poderia citar mais acontecimentos, mas já se foi o tempo de retrospectivas. Por que, então, eu estou citando os 15 melhores filmes de 2012 só agora? Bom, ocorre que a maioria dos filmes lançados em 2012 não chegaram ao Brasil até recentemente, e foram poucos os que eu tive a oportunidade de assistir antes. Assim, somente um mês após o início de 2012 se tornou plausível para mim compilar esta lista, já que só agora eu posso dizer que assisti a uma boa quantidade de filmes lançados no ano que se passou. Além disso, eu procrastinei a publicação dessa lista. Muito.
O que não significa que essa lista seja perfeitamente completa, já que alguns filmes eu não poderia mesmo ver, dadas as circunstâncias (Django Livre é o exemplo mais óbvio) e outros aos quais eu simplesmente não tive acesso, como uma porção de filmes independentes e um sem-número de documentários e produções internacionais. Ainda assim, essa lista engloba a maioria dos filmes que tiveram grande repercussão em 2012, e por isso eu espero que ela possa ter alguma utilidade apesar de tudo — até porque boa parte desses filmes ainda não está nos cinemas no Brasil, e não teria jeito de eu escrever separadamente sobre todos eles em meio às minhas, er, obrigações estudantis. Sem mais delongas, os 15.
15. Bernie, de Richard Linklater
Sem data de estreia no Brasil
Foi um grande ano para filmes inspirados em fatos reais, e o independente Bernie foi um deles. Trata-se de um componente peculiar, tanto desse subgênero quanto da filmografia do versátil Richard Linklater. Fundindo pseudo-documentário, humor negro, estudo de personagem, policial e comédia de costumes em uma pintura do cotidiano em uma small town do Texas, Linklater compôs uma parábola de tons quentes que só não é completamente inacreditável por se basear em uma história verídica. O roteiro analisa, usando como ponto de partida a popularidade imensa do simpaticíssimo diretor de funeral Bernie Tiede (interpretado com entrega e sensibilidade assustadoras por um Jack Black irreconhecível), a enigmática vida pessoal do sujeito após sua aproximação com a velha chata local (Shirley MacLaine, cheia de gás), e traça uma discussão sobre o limite da bondade humana, levantando no caminho questões sobre justiça e ambiguidade moral. Reflexões à parte, o grande acerto de Linklater foi manter o tom sempre leve, sincero e até divertido, o que é reforçado pela decisão de incluir bem-humorados moradores reais da cidade de Carthage para dar depoimentos. Com essa e outras decisões narrativas inteligentes, Bernie borra a linha entre realidade e ficção, tornando-se ainda mais instigante. É um filme inesperadamente sábio, que merecia bem mais atenção do que recebeu.
14. Detona Ralph, de Rich Moore
Apesar do alto nível da produção cinematográfica em 2012, o gênero da animação teve um ano morno, sem nenhum grande sucesso em particular e quase nenhum filme que empolgou de verdade. Nem tudo foram trevas, porém: a Disney, que há tempos não dava ao público algo no nível que se costumava esperar dela, finalmente conseguiu acertar o tom em uma produção em CGI, com o divertido, comovente e vibrante Detona Ralph. Apostando em um universo pouco explorado pelo cinema apesar de seu imenso apelo pop, o filme acompanhou a saga de um vilão de videogame tentando se tornar herói para que seus colegas finalmente expressassem alguma gratidão pelo trabalho que ele fazia há mais de 30 anos — um conceito brilhante e carregado de subtexto que ecoa a moralidade cinzenta dos filmes da Pixar. Graças a uma direção carregada de segmentos de brilhantismo (que encontram nuances de sutileza impressionantes no minucioso design de som) e um design de produção estonteante que merecia ter sido indicado ao Oscar, o filme também se mostrou uma espirituosa homenagem ao mundo dos games, algo que, considerando a história do meio, já estava mais que na hora de acontecer. E, ao contrário do que a intrincada lógica interna e o tema "pop" pudessem fazer parecer, Detona Ralph revelou-se até mesmo bom pra Disney, com uma fila de personagens memoráveis e um gran finale carregado de emoção. Será o prelúdio de uma terceira era de ouro para o estúdio?
13. Compliance, de Craig Zobel
Sem data de estreia no Brasil
Há um certo padrão de desafio e desconforto observável nos bons filmes que passam despercebidos pelo público, e que é bastante perceptível em Compliance. Lançado primariamente em festivais mundo afora, é um filme tenso, perturbador, e absolutamente necessário sobre autoridade e totalitarismo, cuja escala, ao contrário do esperável, não poderia ser menor: passa-se inteiramente em uma tarde, em no máximo três ou quatro ambientes dentro de um restaurante de fast food. A tensão em questão é escalar, partindo dos inocentes problemas de falta de estoque enfrentados pela gerente do tal restaurante e engrenando com uma misteriosa ligação da polícia, que afirma que uma das jovens funcionárias do local roubou dinheiro de uma cliente. O espectador percebe logo que o interrogatório e as instruções que se seguem constituem uma operação suspeitíssima, mas o filme nos desafia a afirmar que agiríamos diferentemente ao registrar, com apropriada neutralidade, as decisões muito mal-pensadas que os personagens vão tomando, e que vão agravando mais e mais o turbilhão imposto pelo suposto oficial do outro lado da linha — trata-se, afinal, de um caso verídico, e que se repetiu dezenas de vezes ao redor dos Estados Unidos, o que torna impossível relevar as atitudes dos personagens como simples burrice. Não, são algo mais do que isso, afirma Compliance: são, e essa é a dura mensagem que fez muita gente deixar a sessão antes do final em Sundance, uma prova da facilidade humana de ceder a figuras de autoridade, por mais extremas que sejam as circunstâncias.
12. Lincoln, de Steven Spielberg
Dado o caráter divisivo dos trabalhos recentes de Spielberg (Cavalo de Guerra, Indiana Jones 5, Guerra dos Mundos, O Terminal etc.), Lincoln foi o mais próximo que o diretor chegou de uma unanimidade na ultima década. É justo: essa cinebiografia sóbria e didática é um dos filmes mais ricos e equilibrados do ano, e, considerando o tema e o diretor, isso é um feito e tanto. Contando apenas uma seção da história do amado presidente, Spielberg dá conta de transmitir a admiração que o povo sentia por ele sem, para isso, privar Lincoln de sua humanidade (o que também se deve, é claro, à atuação assombrosa de Daniel Day-Lewis). O enredo relativamente enxuto sobre o final da Guerra Civil americana e da escravidão — entre outros finais, inevitavelmente — serve, inclusive, como pano de fundo histórico para o vencedor do Pulitzer Tony Kushner dar uma aula de roteiro, explorando as mecânicas da política e da guerra para criar uma história que entretém e informa sem fazer concessões. É, feitas as contas, um filme capaz de capturar o interesse até daqueles pouco interessados na história dos Estados Unidos, tanto pelo seu jeitão assumido de drama para toda a família quanto pela personalidade magnética de Lincoln, que, embora claramente falho, surge a todo tempo como um ser fascinante, carregando sempre na ponta da língua um discurso elaborado. Talvez, verificando a recepção ao estilo mais comedido que adotou nesse projeto, Spielberg passe a entregar obras mais moderadas e intelectualmente satisfatórias nos próximos anos. Seria uma mudança bastante radical para quem está acostumado ao seu estilo carregado — não obstante, uma mudança pra melhor.
11. O Lado Bom da Vida, de David O. Russell
David O. Russell tem sua parcela de detratores (isso acontece quando você faz sucesso suficiente), mas há que se adimitir que ele é um realizador volúvel. Em seu trabalho mais recente, O Lado Bom da Vida, Russell desvia um pouco do drama seco explorado em O Vencedor, e se aproxima mais do tom cômico que marcou o início de sua carreira para adaptar o romance de Matthew Quick sobre um homem e uma mulher com problemas. Os "problemas", aqui, são vários, e quanto menos se falar deles, melhor: em suma, essa quase-comédia-quase-drama com entretons românticos se propõe mais a observar seus personagens do que em contar uma história interessante com eles — e, talvez por isso, o enredo é na verdade bastante previsível, sem fugir muito de convenções romcômicas. Não que isso seja um problema; o forte de filmes desse tipo nunca pretende ser a história, mas sim as pessoas de quem se fala, suas interações, seus atos questionáveis e os conflitos internos que se evidenciam nestes. E, nesse aspecto, o filme é infalível, compondo em cada personagem uma pintura rica e cheia de matizes sutis, o que, claro, também é ajudado pelo elenco antológico (Jennifer Lawrence chega perto de merecer o Oscar, e Bradley Cooper é ainda mais impressionante). Os diálogos, adaptados pelo próprio diretor, são igualmente aplaudíveis em sua vertiginosa sucessão, e conseguem ao mesmo tempo divertir com suas ironias e duplos-sentidos e revelar mais sobre a natureza dos complexos personagens. É também, diga-se de passagem, um filme engraçadíssimo, mas que consegue apesar disso atingir a empatia e a profundidade temática almejadas graças a uma sensibilidade diretorial incomum para produções como essa.
10. Cinco Anos de Noivado, de Nicholas Stoller
(CRÍTICA PUBLICADA EM 07/12/12)
Cinco Anos de Noivado foi uma das melhores surpresas do ano: um romance adulto que, travestido de romcom e marquetado como uma fita hilariante na forma de Missão Madrinha de Casamento, acabou se revelando um dos trabalhos mais profundos e com mais a dizer sobre relacionamentos na memória recente. Talvez por isso, foi também uma decepção nas bilheterias — tanto é que só foi lançado em DVD no Brasil. Contando uma história desalentada que por vezes beira o melodrama, esse terceiro trabalho diretorial de Nicholas Stoller consegue encontrar um equilíbrio impressionante entre os risos e a gravidade temática ao compor um pesaroso retrato do titular noivado entre Tom e Violet, que vai se prolongando cada vez mais graças às escolhas profissionais e pessoais que os dois fazem. Sem tomar partido ou desmerecer as emoções dos personagens — o que inclui os secundários, que muitas vezes chegam a surgir como espelhos metafóricos do comportamento dos dois protagonistas —, Stoller e seu co-roteirista, o também ator principal Jason Segel, fazem algo que cada vez menos comédias românticas sequer se dão ao trabalho de tentar: contam uma história envolvente e divertida e desenvolvem personagens cativantes sem perder de vista o realismo. O que não impede o diretor de orquestrar a obra com uma sutileza também rara nos trabalhos do gênero.
9. A Viagem, de Tom Tykwer e Andy e Lana Wachowski
É fácil não gostar de A Viagem. O filme tem todas as peças no lugar pra ser uma pretensiosa e insuportável produção inflada: duração de quase três horas, megaelenco, subtemas espíritas, cronologia que engloba séculos, realização de Lana e Andy Wachowski, presença de vários personagens interpretados pelos mesmos atores através do uso de maquiagem protética elaborada... Peraí. Presença de vários personagens interpretados pelos mesmos atores através do uso de maquiagem protética elaborada? Num filme orçado em aproximadamente 100 milhões de dólares? É isso mesmo, e se isso não capturou sua atenção, eu jogo a toalha. A Viagem é exatamente esse tipo de filme, um épico de ambições astronômicas que visa pisar em território ainda inexplorado por grandes superproduções ao contar seis histórias em períodos cronológicos diferentes (duas delas no futuro) com um elenco relativamente reduzido que se reveza em vários papéis, muitas vezes de gêneros ou raças diferentes das dos atores. E, quer você goste ou não do(s) enredo(s), que aborda(m) temas universais como amor, desejo de respostas e a busca por liberdade com base em um aclamado romance de David Mitchell, é inegável que o filme constitui um primor técnico e visual com poucos paralelos na memória recente, tornando-se assim uma experiência cinematográfica essencial apenas por seu âmbito gigantesco. Mas os Wachowski e Tom Tykwer não se contentam com o espetáculo visual, e se esforçam (seu sucesso, aí sim, é mais debatível) em contar histórias interessantes e ricas em tonalidades temáticas ao mesmo tempo em que criam uma realidade interna e interconectada que surpreende pela sua autoconsciência e complexidade de detalhes. Não é para todos — mas é definitivamente para ser lembrado.
8. Argo, de Ben Affleck
Filmes como Argo são uma armadilha: contando histórias simples com proficiência, eles são tão hábeis em satisfazer o espectador e ir além de suas expectativas básicas que mal tentam disfarçar a sua natureza em geral pouco grave ou desafiadora, cegando-nos às suas eventuais falhas e preocupando-se apenas em ser filmes eficientes. Nos piores casos, esse tipo de estratégia de realização produz passatempos descartáveis que desperdiçam o talento dos envolvidos; nos melhores, produz filmes como o de Ben Affleck, que funcionam bem para todos os gostos e nem por isso deixam a profundidade de lado. Em Argo, portanto, Affleck investe em uma abordagem perfeitamente acessível, nem excessiva nem demasiadamente crua, para contar uma história verídica que, por si só, já vale o programa: a de um agente da CIA que, para conseguir resgatar seis funcionários da embaixada americana em Teerã em plena Revolução Iraniana, bola um plano bastante inusitado, que envolve a criação de uma produção cinematográfica falsa. A história tem desfecho conhecido, mas isso não lhe subtrai qualquer tensão (a sequência final é, por mais que odeie a expressão, de tirar o fôlego), já que Affleck demonstra fluência irretocável no que diz respeito a conduzir sua história com firmeza e deixá-la falar por si mesma. Assim, o filme se mostra uma aventura de suspense envolvente e também um registro histórico sensível e inteligente, que dribla quaisquer imperfeições menores em seu roteiro graças a uma produção cuidadosa e um excelente elenco.
7. As Sessões, de Ben Lewin
As Sessões é um filme extremamente corajoso — não porque tencione chocar ou abalar o espectador, mas por tentar fazê-lo pensar sobre um assunto que, como o próprio filme deixa claro, constitui um tabu injusto: o sexo. Prova desse mérito é que o filme é consistentemente tenro, até ensolarado, apesar de tocar no fundo de temas nada rasos e de conter múltiplas cenas de nudez frontal e sexo explícito. Afinal, pensando bem, contar uma história real como a de Mark O'Brien, poeta/jornalista poliomielítico que não possui movimentos abaixo dos ombros e um dia começa a se consultar com uma terapeuta sexual, com a leveza que o filme adota exige ainda mais coragem do que abordar o tema de forma pesada e chocante, como geralmente acontece. Em vez de se entregar a excessos, o diretor/roteirista Ben Lewin abre a história em discussões francas e interessantes sobre vários dos aspectos da experiência sexual, através de um grupo colorido de personagens coadjuvantes e de um trio de tour-de-forces nos papéis centrais. William H. Macy demonstra sua versatilidade em uma atuação atipicamente contida como o padre a quem O'Brien consulta; Helen Hunt se entrega admiravelmente ao papel complicado da terapeuta sexual Cheryl Cohen-Greene, que transpira segurança e empatia mesmo quando despida; por fim, John Hawkes faz um trabalho absolutamente espetacular na pele de O'Brien, usando apenas seus olhos, sua cabeça e sua voz débil para transmitir uma infinidade de emoções, e ao mesmo tempo tornando o personagem inesperadamente interessante graças a um excelente timing cômico. As Sessões é um filme que merece ser visto por todas as pessoas com idade pra se preocupar com sexo — até porque, como afirma o filme, o tema merece ser visto com uma mente mais aberta.
6. Indomável Sonhadora, de Benh Zeitlin
A maior parte do que tem se falado deste Indomável Sonhadora diz respeito à atuação da pequena Quvenzhané Wallis, hoje com 9 anos e que tinha 6 quando o filme foi rodado. E, embora seja sempre um risco destinar tamanho prestígio a um ator ou atriz mirim — não raro, os anos revelam que o seu sucesso inicial foi obra de um bom diretor de atores ou mesmo pura sorte —, Wallis é de fato impressionante, carregando o filme com segurança e intensidade raramente vistos em produções estreladas por atores mais experientes. Mas não se deixe enganar pelo diabético título em português: o mérito dessa pequena gema indie, longa de estreia do diretor Benh Zeitlin, vai muito além dessa fabulosa escolha de casting (que, por sinal, não é a única no filme: todo o elenco de amadores é eficiente, com destaque para o surpreendente Dwight Henry). Filmando a história de uma moradora de 6 anos de uma comunidade isolada em um igarapé de Louisiana, Zeitlin, junto com sua corroteirista Lucy Alibar, autora da peça que inspirou o filme, consegue a proeza de encher a saga da menina e seu pai de heroísmo, fantasia e mágica ao mesmo tempo em que aborda o conflito crescente do filme com uma câmera trêmula e por vezes cínica, encantando ao mesmo tempo em que atira sobre o espectador toda a brutalidade da condição de um grupo de pessoas marginalizadas pela sociedade. É, dessa forma, uma tradução perfeita do ponto de vista de uma criança sobre aquela realidade dura mas indubitavelmente recompensadora.
5. As Vantagens de Ser Invisível, de Stephen Chbosky
Não é frequente que romancistas tenham a oportunidade de adaptar suas próprias obras para as telas. É este, porém, o caso de As Vantagens de Ser Invisível — e, como seria de se esperar, o resultado do trabalho do autor/diretor/roteirista Stephen Chbosky, que faz aqui sua primeira incursão na sétima arte, é uma produção com um certo tino literário. Abrindo com uma narração em off que nos apresenta logo de cara ao poético solilóquio do protagonista Charlie, o filme enfoca uma história pouco farta em grandes acontecimentos, em que vemos os altos e baixos do primeiro ano da high school experience do personagem de Logan Lerman, e a sua gradual e delicada familiarização com o mundo adulto que o aguarda, no que constitui uma jornada sincera que Chbosky enfoca com capacidade de observação equiparável à de um bom livro. Toda essa complexa quietude pode parecer um tanto autoindulgente no papel, mas o filme também dá conta de criar simpatia — e nostalgia — em torno das experiências de Charlie e seus amigos — as wallflowers do título, espécies de desajustados sociais que formam entre si um vínculo valioso em suas cruzadas pela adolescência. É nesses jovens diversos e perceptivos, inclusive, que está aquilo que torna este um trabalho bem acima do esperável, e, principalmente, digno de cinema: da irmã mais velha sensível de Nina Dobrev à budista sardônica da terrivelmente subestimada Mae Whitman, o elenco de As Vantagens de Ser Invisível se mostra consistentemente capaz de trazer à vida o texto de Chbosky com a verve e o calor necessários para fazê-lo voar alto. Sobre o magnífico trio central de Lerman, Emma Watson e Ezra Miller, basta dizer que, ao final do filme, eles lhe terão feito sentir na pele as "vantagens" nominais — e também, cá e lá, as desvantagens.
4. Moonrise Kingdom, de Wes Anderson
(CRÍTICA PUBLICADA EM 14/11/12)
Wes Anderson é um dos diretores mais amados do cinema atual — e também, naturalmente, um dos mais odiados, graças à sua forte inclinação idiossincrática que torna cada um de seus filmes uma criatura imensamente peculiar. E, embora responsável por jovens clássicos como Três é Demais e Os Excêntricos Tenenbaums, Anderson ainda não havia conseguido produzir um trabalho propriamente "universal"; até mesmo o tocante O Fantástico Sr. Raposo teve seus anti-fãs. Tal é a conquista de Moonrise Kingdom, que, embora fiel ao estilo reconhecível de seu realizador, é sem dúvida sua obra mais humana e comovente. A começar pelo foco: os adultos complicados e melancólicos dos trabalhos anteriores de Anderson exercem aqui papéis secundários, dando espaço para a história de um casal apaixonado de pré-adolescentes, os quais, embora maduros e astutos, em nenhum momento demonstram a precocidade absurda de outras crianças hollywoodianas. Sam e Suzy são, sim, seres interessantes, assim como todos os outros, velhos ou jovens, que povoam o filme; sua trajetória literal e metafórica pela tempestade do amor proibido é, nas mãos cada vez mais hábeis do diretor, um primor cinematográfico desconcertante, misturando no mesmo pote aventura, romance, humor e doses pontuais de sarcasmo e drama ácido, tudo em conjunção com uma produção visualmente rica e um elenco costumeiramente invejável. Trata-se de uma estreia notável, não só para os protagonistas Kara Hayward e Jared Gilman, mas também, ao que parece, para esse novo, mais acessível e mais fluente Wes Anderson.
3. A Hora Mais Escura, de Kathryn Bigelow
Como definir "coragem" na produção cinematográfica? Pode-se, para começar, tomar emprestado alguns conceitos tidos como essenciais na indústria hollywoodiana — pulsos narrativos familiares, durações tão enxutas quanto possível, satisfação emocional, enredos frenéticos, apelo carregado e constante aos sentidos — e buscar os trabalhos que os avertem; é necessária tão maior intrepidez, então, para fazê-lo sob o peso de um orçamento alto e uma grande distribuidora. Ademais, são notáveis os filmes que ousam nos apresentar à realidade dos fatos quando estes se apresentam amargos ou nauseantes, e que nos obrigam a refletir sobre conceitos incômodos que de outra forma ignoraríamos. Filmes como esses rareiam muito mais do que deveriam, de modo que quando surge uma obra que satisfaça a todos esses testes de bravura, é sempre uma ocorrência singular. Kathryn Bigelow já havia chamado atenção suficiente para uma carreira inteira ao retratar sem misericórdia o horror da Guerra do Iraque em seu Guerra ao Terror, que a estabeleceu como uma cineasta excepcionalmente segura e desafiadora num âmbito em geral dominado por homens. Agora, com este corajoso A Hora Mais Escura, ela se consolida como a atual rainha do filme de guerra: conduzindo a produção cuidadosa, o roteiro intricado de Mark Boal e a arrepiante anti-heroína de Jessica Chastain pelos dez anos de busca por Osama Bin Laden com mão implacável e tensão crescente, Bigelow obriga o espectador a encarar todos os tons de cinza da história em maior parte verídica, em mais um atestado antológico do poder do cinema como jornalismo.
2. Amor, de Michael Haneke
Foi um ótimo ano para trabalhos supreendentemente tocantes de diretores cerebrais: Amor é atipicamente sentimental para o impiedoso Michael Haneke. O que não significa que, ainda se tratando de uma obra do diretor de Caché, Violência Gratuita e A Fita Branca, este seja um filme fácil de assistir. Longe disso. Amor é apropriadamente penoso, fazendo jus à reputação do sentimento homônimo, embora não seja um filme apenas sobre o amor. Sim, este é um elemento-chave na história trágica de Georges e Anne (interpretados de maneira dilacerante por Jean-Louis Trintignant e Emmanuelle Riva), mas, em última análise, o laço de décadas entre os dois possui a função de expor o tema central em cena, que é o envelhecimento. E que exposição: lançando mão de planos longos, diálogos cortantes, drama humano e escalar, e até mesmo a ocasional metáfora visual, Haneke pinta um quadro angustiante da realidade dura e por vezes inevitável pela qual passam os membros da "melhor idade" (será difícil para mim levar tal expressão a sério novamente). Sua segurança como realizador é onipresente, desenvolvendo o filme de maneira emocionalmente intensa sem deixar de conferir uma melancólica quietude ao desenrolar das coisas. Talvez seja inconsistência da minha parte incluir um filme austríaco falado em francês em meio a um apinhado de produções americanas, mas fala-se aqui de um filme que, mais do que merecer, requer uma posição em qualquer compilação dos melhores do ano. Amor é um raro retrato sem rodeios daquilo que a condição humana tem de mais desesperador — e também, e é aí que reside a sua grandeza, de mais singelo.
1. O Mestre, de Paul Thomas Anderson
O Mestre poderia ser um clássico. Os ingredientes estão lá: uma trama intrigante e repleta de reticências audazes, um tema polêmico com ambientação num período ambíguo da história americana, um elenco absolutamente fabuloso e um comando seguro, pleno e visualmente apurado de um dos maiores diretores do nosso tempo. Mas provavelmente não vai ser o caso — arrisco afirmar que sua maior chance de eternização é através do universo cult — simplesmente porque a definição de "clássico" implica na perpetuação de uma fita no ideário cultural da sociedade, e esse não é, nem de longe, um filme para todo mundo. Na verdade, O Mestre nos dá uma boa ideia do que acontece quando o gênio criativo de um grande artista é completamente desenfreado; aqui, Paul Thomas Anderson coloca a preocupação de entreter e/ou agradar a audiência em segundo plano, e o que ele derrama sobre a tela é uma expressão pura (na medida do possível; este ainda é um filme da The Weinstein Company) da sétima arte em sua forma mais complexa, detalhada, desafiadora e explosiva. O que não significa que O Mestre não seja intimista ou sutil quando necessário: por vezes, o estudo de personagem a que boa parte do filme se propõe espanta por sua brilhante contenção, e pelo tato de Anderson para saber quando derrubar bigornas e quando restringir informações cruciais ao subtexto e à analogia. O resultado desse apuro é um trabalho ora hipnótico, hora incômodo, mas nunca menos que fascinante, e que ainda por cima levanta uma penca de questões profundas sobre temas como necessidade de religião, mecânica familiar, mentalidade de rebanho, psicologia da guerra, ilusão de grandeza, alcoolismo, e a cultura estadunidense como um todo. E é claro que, sendo Anderson também o roteirista, o filme toma o cuidado de construir, em meio a todo o seu esplendor artístico, uma fila de personagens complexos e multifacetados que se traduzem perfeitamente nas performances geniais do elenco encabeçado pelos espetaculares Joaquin Phoenix e Philip Seymour Hoffman. É, enfim, uma obra-prima: atemporal ainda que sem qualquer pretensão de ser querido por todos.
Menções honrosas
Sete Psicopatas e um Shih Tzu, de Martin McDonagh. Embora não alcance o brilhantismo pós-moderno que pretende, este segundo trabalho de McDonagh é uma dramédia inteligente e divertidamente subversiva.007: Operação Skyfall, de Sam Mendes. O melhor arrasa-quarteirão em live-action de 2012, consegue a proeza de ultrapassar o hype graças a um roteiro admiravelmente esperto e ótimas atuações.
O Impossível, de Juan Antonio Bayona. Comprova a força eterna de uma boa história bem-contada, satisfazendo emocionalmente ao mesmo tempo em que surpreende pelos seus valores de produção.
Safety Not Guaranteed, de Colin Trevorrow. Um indie de inteligência incomum, modesto na superfície mas profundamente sensível em sua execução e na abordagem de seus temas. Aubrey Plaza é memorável.
Arbitrage, de Nicholas Jarecki. Uma desconstrução tensa e viciante do tipo "executivo carismático" geralmente associado a Richard Gere — que, por sinal, faz um trabalho excelente.
Anjos da Lei, de Phil Lord e Chris Miller. Ao contrário da norma para produções baseadas em séries de TV, essa é uma comédia de colegial surpreendentemente hilária e autoconsciente.
Batman - O Cavaleiro das Trevas Ressurge, de Christopher Nolan. Um trabalho que se destaca de imediato se apenas por ser uma superprodução desavergonhadamente pretensiosa — e não digo isso como uma crítica.
ParaNorman, de Chris Butler e Sam Fell. Além de ser lindamente detalhista em sua concepção visual, diverte bastante ao se entregar de corpo e alma à aventura à moda antiga.
Valente, de Mark Andrews e Brenda Chapman. (CRÍTICA PUBLICADA EM 15/11/12) Irrepreensível em seu conceito e temática, só não é um grande filme por problemas de execução.
Os Vingadores - The Avengers, de Joss Whedon. Ninguém cobraria, ou esperaria, um filme de super-herói ultra-antecipado com vocação autoral. Mas é justamente isso que Whedon entrega aqui.
Piratas Pirados!, de Peter Lord e Jeff Newitt. Não é o maior trabalho da Aardman, mas a destreza cômica e o pastelão sofisticado que se esperam do estúdio estão presentes em profusão.
Jogos Vorazes, de Gary Ross. Um bicho estranho na galeria de adaptações de bestsellers juvenis: além de ermo e violento, toca em temas profundos com bastante propriedade.
As Aventuras de Pi, de Ang Lee. Não é a palavra final sobre fé que parece acreditar ser, mas vale a pena ser visto por seus visuais espetaculares e sua história inegavelmente cativante.
Magic Mike, de Steven Soderbergh. Transcende o rótulo de "filme de strippers masculinos", fazendo um estudo quieto e perceptivo da falta de propósito do início da idade adulta.
Looper, de Rian Johnson. Dramaticamente eficaz, este noir sobre viagem no tempo consegue levantar várias bolas filosóficas intrigantes, ainda que erre alguns chutes.
O Voo, de Robert Zemeckis. Não traz muita coisa nova ao arquétipo do alcoólatra em negação, mas ainda é um thriller satisfatório com bons atores e pelo menos uma sequência memorável.
Holy Motors, de Leos Carax. Um legítimo filme de arte, opaco e repleto de simbolismos, que compensa pela sua incompreensibilidade com devoção legítima ao seu meio e objeto de discussão.
UPDATE: Tendo assistido a Django Livre, coloco-o mais ou menos entre As Sessões e Argo.
